Sejarah Muzik Klasik

Perhimpunan mahkamah untuk mendengar muzik

Sekarang anda telah diperkenalkan dengan betul kepada beberapa lagi karya terkenal dalam himpunan muzik klasik , saya fikir gambaran keseluruhan era berbeza yang merangkumi sejarah muzik klasik akan menjadi langkah logik seterusnya. Istilah ini sangat luas, meliputi muzik dari zaman pertengahan hingga ke hari ini. Artikel ini akan cuba memperkenalkan anda kepada beberapa gaya dan idea yang berbeza bagi setiap zaman muzik di dunia barat, serta mengkontekstualisasikannya untuk menerangkan pelbagai perkembangan dan untuk menyerlahkan komposer penting. Ini sama sekali bukan panduan yang komprehensif tetapi gambaran keseluruhan yang bertujuan untuk membantu orang baru memahami muzik klasik dengan lebih baik. Oleh kerana skala besar (kita bercakap tentang seribu tahun muzik) tidak semua telah dilindungi. Sebagai contoh, mana-mana muzik selepas 1945 dikecualikan, kerana terdapat begitu banyak sekolah dan pendekatan yang artikel itu tidak akan mendapat manfaat daripada beberapa ratus perkataan.

Isi kandunganKembangkanRuntuh
  1. Tempoh Awal:
  2. Zaman Pertengahan (1100-1400)
  3. Renaissance (1400-1600)
  4. Baroque (1600-1750)
  5. Klasikisme (1750-1820)
  6. Romantikisme (1820-1900)
  7. Modernisme, Serialisme, dan Seterusnya (1900)
  8. Kata Akhir

Tempoh Awal:

Walaupun muzik awal memang wujud sebagai muzik gereja dan mahkamah, ia adalah muzik gereja awal, dan khususnya muzik gereja vokal, yang akhirnya akan menjadi muzik Bach, Beethoven dan Brahms yang sangat canggih. Walaupun terdapat banyak kebaikan dalam muzik troubadours, madrigal dan penyanyi, fokus artikel lebih kepada muzik gereja.

Manuskrip Muzikal Zaman Pertengahan

Manuskrip Muzikal Zaman Pertengahan



Zaman Pertengahan (1100-1400)

Semuanya bermula di sini, dengan satu baris nota. Nyanyian monofonik, juga dipanggil Nyanyian biasa dibangunkan di pelbagai pusat di seluruh Eropah. Seperti muzik mahkamah, ia adalah tempatan, berdasarkan liturgi tempatan dan kawasan yang berbeza menghasilkan gaya nyanyian yang berbeza. Dengarkan perbezaan antara Nyanyian Mozarbic Portugal dan Sepanyol, dan Nyanyian Amborisan. Kedua-duanya membuat versi bahagian 'Gloria in Excelisus Deo' dalam jisim.

http://www.youtube.com/watch?v=qqiCs3oL3yg

Ini mula berubah dengan penyeragaman jisim dan nyanyian oleh Gereja Katolik pada 1011 M. Hasilnya adalah nyanyian Gregorian, yang diperoleh daripada pencampuran gaya nyanyian dua pusat utama Eropah Rom, pusat gereja, dan Paris, politik pusat. Ini datang untuk menggantikan hampir semua bentuk nyanyian tempatan. Di sini sekali lagi mendengar Gloria tetapi dilakukan sebagai nyanyian Gregorian.

Dengan penyeragaman ini perkembangan mula berlaku. Secara beransur-ansur lebih banyak baris diperkenalkan kepada muzik, bergerak melalui Organum. Kebanyakan muzik ini masih tanpa nama. Sekali lagi pusat yang berbeza bereksperimen dalam pendekatan yang berbeza untuk organum, mungkin yang paling penting ialah bahasa Inggeris. Walaupun Florid Organum St Martial adalah yang paling penting pada organum kemudian, memberi laluan kepada Notre Dame School yang terkenal, organum Inggeris mengutamakan selang yang ketiga, yang akan menjadi laluan di mana muzik ragam akan membawa kepada nada major/minor. , tetapi lebih lanjut mengenainya kemudian. Ini kemudiannya dibangunkan oleh dua komposer terawal yang diketahui, pertama oleh Léonin dan kemudian Pérotin. Kedua-duanya menyediakan banyak teknik gubahan baharu, yang paling penting ialah irama modal, pada asasnya not tidak teratur yang disusun dalam corak biasa.

http://youtube.com/watch?v=gtkmnhnHWhw

Perbezaan utama ialah apabila gaya Léonin lebih bergerak ke arah garis kembang yang panjang, Pérotin lebih menumpukan pada penggunaan suara yang lebih rumit, membawa permulaan yang kukuh kepada polifoni.

Renaissance (1400-1600)

Langkah awal adalah untuk melicinkan unsur-unsur yang telah menjadi menonjol dalam gaya zaman pertengahan lewat. Khususnya ini bermakna memudahkan beberapa irama. Walau bagaimanapun, ini memberikan gaya yang lebih mengalir dan dalam banyak cara ditambah kepada irama yang lebih fokus yang bergerak lebih ke arah penghujung karya. Selang yang ketiga, dengan warna yang lebih besar (minor dan major) menjadi lebih bernilai. Pada zaman pertengahan ia dianggap sebagai sumbang, dan dengan itu subordinat kepada yang kelima dan keempat.

Muzik secara beransur-ansur menjadi lebih kompleks lagi dalam muzik Johannes Ockehem. Kegemarannya terhadap kanun boleh didengari dalam Missa Prolationumnya. Ini telah dikaitkan dengan peningkatan perincian yang dilihat dalam seni visual pada masa itu.

Pada tahun 1470-an kesan pertama mesin cetak dirasai dalam muzik. Notasi muzik mula terbentuk, membenarkan idea untuk menghantar muzik dan menghasilkannya semula dengan lebih setia. Ini juga bermakna bahawa unsur tempatan, seperti penyeragaman misa oleh gereja pada tahun 1011, telah diatasi oleh antarabangsaisme yang semakin berkembang, khususnya gaya polifoni Franco-Flemish. Dengan ini berlaku peningkatan penyederhanaan khususnya dengan G.P. Palestina. Langkah ke arah gaya yang lebih jelas datang sebahagiannya disebabkan oleh Counter Reformation dan Council of Trent. Pada asasnya, keputusan telah dicapai bahawa muzik polifonik pada masa itu membuat lirik, teks suci ilahi, tidak dapat difahami. Mereka meninggalkan gabungan beberapa suara dalam gaya kanun Ockehem dan memihak kepada tiruan duet dan trio yang akan membina tekstur kepada lima atau enam bahagian. Terdapat juga petikan homofoni (berbilang suara yang bergerak dalam irama yang sama) untuk petikan yang mempunyai kepentingan tertentu. Palestrina akhirnya membangunkan gaya aliran bebas titik balas daripada ini, membenarkan kejelasan dan minat muzik.

Ketaksuban zaman itu terhadap zaman purba, khususnya orang Yunani, menyebabkan beberapa orang bereksperimen dengan satu bentuk teater muzikal, di mana ia bersuara menceritakan kisah yang diiringi dengan instrumen, pada dasarnya cuba meniru Drama Yunani. Mereka berjaya, agaknya. Mereka mencipta satu bentuk teater muzikal yang masih ada pada hari ini, walaupun sejauh mana ia menyerupai drama tradisional Yunani boleh dipersoalkan.

Baroque (1600-1750)

Sekali lagi, kami melihat penyetempatan berlaku dalam muzik, kerana zaman Baroque menawarkan pelbagai komposer dari pelbagai tempat. Istilah itu sendiri pada asalnya digunakan sebagai penghinaan terhadap gaya muzik yang sangat berhias dan kelihatan tidak koheren. Ia telah menjadi istilah untuk menggambarkan pelbagai komposer dalam tempoh 150 tahun. Salah seorang komposer peralihan ialah Jacopo Peri. Dia bekerja untuk pelbagai gereja dan mahkamah, terutamanya Medici. Gayanya adalah kurang kompleks daripada kebanyakan muzik Renaissance sebelum dia atau gaya yang lebih hiasan yang akan mencirikan Baroque. Sedikit kerjanya dilakukan hari ini, dan selalunya hanya sebagai sesuatu yang ingin tahu. Walau bagaimanapun, dia, menurut beberapa orang, pencipta sebenar bentuk baharu yang dipanggil, Opera yang kemudiannya akan disemak oleh Claudio Monteverdi dalam L'Orfeonya.

The Incompoarable J.S. Bach

J.S yang tiada tandingan Bach

Bahan-bahan asas yang akan mencirikan muzik Baroque kemudiannya ialah harmoni tonal dalam bentuk basso continuo (garis bass berterusan) di mana polifoni tonal, yang diilhamkan oleh counterpoint yang dibangunkan semasa Renaissance, akan dimainkan. Selang sepertiga yang perlahan-lahan menjadi penting kepada komposer menyediakan kemunculan kunci major dan minor sebagai cara menguruskan disonans dan kromatik yang akan menjadi ciri utama sehingga penghujung 19keabad. Di samping itu, konseptualisasi perangai sama, membahagikan oktaf dalam dua belas bahagian. Anehnya, ini bukan dua belas semitone yang ditala dengan sempurna. Sebenarnya terdapat dua belas selang yang tidak ditala, tetapi tahap yang tidak ditala adalah tepat, bermakna ia mengimbangi antara satu sama lain. Ini membenarkan modulasi antara kunci. Johann Sebastian Bach's Well Tempered Clavier dalam beberapa hal merupakan satu kesedaran dan perayaan penyeragaman ini. Muzik instrumental muncul dengan sendirinya. Khususnya instrumen papan kekunci, iaitu harpsichord dan organ, menjadi tunjang utama muzik.

J. S. Bach adalah gergasi era ini, walaupun dia jauh dari pemuzik yang paling terkenal pada masa itu, kemasyhurannya meningkat terutamanya dari abad ke-19 dan seterusnya. Jawatan utama beliau ialah sebagai konduktor di Leipzig, pada dasarnya lelaki yang bertanggungjawab ke atas muzik bandar itu. Dia mencipta banyak karya yang pelbagai, dari Chorale Cantatas, massa, preludes, partitas. Dengan pengecualian karya berasaskan teater (seperti opera), katalog Bach merangkumi semua bentuk, instrumen dan orkestra pada zaman itu.

Mesin cetak juga membuka jalan untuk penyeragaman. Teks pedagogi telah dihasilkan, termasuk Gradus ad Paranassum Johann Fux (1725) mensistemkan titik balas pada zaman terdahulu dan Archangelo Corelli, yang menganjurkan teknik biola dan pedagogi. Tempoh itu juga membenarkan perbezaan individu yang lebih besar. Komposer dan penghibur mula menjadi terkenal dengan cara mereka sendiri, pengetahuan dan kepakaran mereka disebarkan sama ada melalui pedagogi atau di akhbar memuji bakat mereka.

Walaupun liturgi masih menyediakan asas untuk beberapa karya komposer memilih untuk menyusun bahan secara berbeza. Bentuk menjadi lebih penting, kerana keperluan untuk kekal dalam satu kunci memerlukan kaedah menyusun bahan muzik untuk kembali kepada 'tonik' atau kunci rumah. Ini menyediakan rangka kerja untuk sonata bentuk serta idea tema dan variasi. Asas bentuk yang terkandung dalam bentuk binari (AABA) atau trio (ABC).

Klasikisme (1750-1820)

Semasa Renaissance, tumpuan beralih kepada Klasik Antikuiti (oleh itu namanya) dan orang ramai cuba menirunya dalam seni dan seni bina baharu. Walaupun penekanan, masih pada formaliti dan hierarki seperti semasa Baroque, tumpuan lebih kepada pembahagian yang jelas, kontras yang kuat, dan gaya yang lebih ringkas, tidak seperti gaya hiasan Baroque yang kompleks. Secara ringkas, polifoni memberi laluan kepada melodi tunggal diiringi harmoni bawahan. Mendedahkan anjakan dalam modulasi, seperti antara tema pertama dan kedua sonata menjadi semakin penting. Pengetahuan pemuzik yang lebih tua dengan kepakaran teknikal mereka diperlukan, tetapi gaya yang lebih baru datang daripada pemuzik yang lebih muda. C.P.E. Bach membuktikan gabungan hebat kedua-duanya. Dia mendapat, daripada bapanya pengetahuan tentang teknik lama tetapi dapat menggunakannya dalam gaya baru yang disukai oleh orang ramai. Tempoh peralihan ini yang akan membawa kepada seperti Joseph Hayden dan Wolfgang Amadeus Mozart bertarikh sekitar 1730-1760. Faktanya ialah Bach, walaupun masih dihormati, telah menjadi peninggalan.

Kesederhanaan itu juga mempunyai sebab dan faedah ekonomi. Cita-cita untuk muzik baharu menjadi penetapan umum, tetapi sumber yang tersedia untuk komposer agak terhad. Walaupun Bach mempunyai semua pemuzik di Leipzig, Mozart, sebagai contoh, perlu mengupah pemuzik, yang bermaksud latihan dan latihan memerlukan wang. Untuk mengehadkan belanjawan, karya yang memerlukan hanya satu latihan, menjadi popular.

Perhimpunan mahkamah untuk mendengar muzik

Perhimpunan mahkamah untuk mendengar muzik

Dalam tempoh masa ini muzik mahkamah (komposer berkhidmat untuk bangsawan) berkembang pesat. c orkestra kami dari Mannheim adalah yang paling terkenal pada masa itu, dan oleh itu mempengaruhi gaya muzik banyak komposer, termasuk Hayden dan Mozart. Hayden sering dipanggil bapa kedua-duanya simfoni dan juga String kuartet . Walaupun sebagai seorang budak lelaki, dia menerima latihan muzik dan akhirnya diupah sebagai paduan suara di Katedral St Stephen di Vienna. Apabila dia semakin dewasa, suaranya menjadi semakin matang dan berikutan gurauan yang tidak diterima oleh rakan paduan suara dia dibuang kerja. Selepas itu dia mengambil pelbagai pekerjaan dan, menyedari kekurangan pengetahuannya dalam teori dan komposisi muzik, dia mempelajari banyak teks yang telah disediakan melalui cetakan semasa zaman Baroque (terutamanya risalah Fux) dan mengkaji karya C.P.E. Bach. Ini akhirnya membawa kepada pekerjaannya di estet Esterházy, yang membantunya mengembangkan gaya dan kejayaannya yang menentukan.

Peralihan ekonomi hebat yang lain ialah, pemuzik semakin menjadi ejen bebas. Sebelum ini, muzik dicipta di dalam dan untuk mahkamah sahaja. Mozart, sebagai contoh, menjual langganan konsertnya untuk membiayai dirinya sendiri, dan bukannya bergantung pada naungan Diraja. Sebaliknya, Hayden menggunakan kestabilan pelantikan mahkamahnya untuk memberi tumpuan kepada mencipta cara baru mengarang dan menstruktur karya dalam estetika baharu tempoh itu, Mozart mencari kejayaan dalam domain awam. Ini bermakna menjadi penghibur virtuoso dan mengarang opera. Kedua-dua ini membenarkan bermain selama beberapa malam dan jadual lawatan, membolehkan Mozart menjana pendapatan yang berdaya maju. Dia juga lebih suka penggunaan kord kromatik yang lebih besar dan gabungan melodi dalam satu karya. Latihannya bersama Hayden memberikannya pendekatan yang lebih tersusun dan berdisiplin yang membawanya menjadi lebih berwarna dan berbudi. Gaya gubahannya memerlukan perhatian dan interaksi yang lebih besar dalam orkestra dan menimbulkan cabaran yang lebih besar kepada pemuzik individu. Pendekatan yang lebih teknikal ini menuntut lebih banyak daripada komposer serta penghibur, dan orang ramai mendambakan lebih banyak lagi. Pada masa yang sama, keperluan kemahiran yang meningkat ini membezakan Klasikisme kemudiannya sekitar 1780 daripada tempoh peralihan awal (1740-1760). Kedua-dua Hayden dan Mozart dianggap sebagai genius pada masa itu dan menikmati banyak kejayaan.

Dalam yang berikut, generasi baru pemuzik muncul, dan yang paling terkenal dan paling terkenal pastinya Ludwig van Beethoven . Sama seperti Mozart, dia mendapat reputasi sebagai penghibur virtuoso, terutamanya terkenal kerana improvisasinya. Walau bagaimanapun, gubahan beliau mempunyai impak yang lebih besar: ia lebih panjang, lebih kompleks. lebih 'pianistik' berbanding 'vokal', dan memastikan interaksi yang lebih besar antara instrumen, membawa kepada gaya baru. Tanggapan klasikis awal tentang kesederhanaan mengatasi kerumitan sedang dirampas. Bentuk membenarkan penerokaan bahan muzik yang lebih luas. Tempat paling jelas untuk melihat ini adalah di bahagian pembangunan karya Beethoven. Daripada keseronokan Mozart, Beethoven mengolah semula temanya dengan cara yang besar, berani dan rumit. Fokus utamanya ialah mencipta karya seni asli yang monumental. Akibatnya, pendekatan kualitinya bermakna dia akan menghasilkan lebih sedikit jilid: manakala Hayden mengarang lebih 100 simfoni, Mozart menulis 41, dan Beethoven hanya 9 simfoni . Walau bagaimanapun, keamatan emosi dan kecanggihan muzik yang wujud dalam simfoni Beethoven menunjukkan anjakan muktamad. Walaupun Beethoven memulakan kerjayanya sebagai seorang klasik, dia menamatkannya sebagai seorang proto-romantik.

Romantikisme (1820-1900)

Minat yang semakin meningkat dalam alam semula jadi, pengagungan pemikiran subjektif dan minat terhadap alam ghaib mencirikan Romantikisme. Penyeragaman yang berlaku semasa tempoh klasik telah diuji dan ditolak ke hadnya, kerana setiap komposer mempunyai pendekatan subjektifnya sendiri. akibatnya, gaya bentuk bebas seperti nocturnes, rhapsodies dan preludes menjadi popular. Contoh utama ini ialah Frederick Chopin . Dia memasukkan unsur-unsur muzik rakyat dalam Mazurkanya, walaupun ia dimaksudkan untuk dewan konsert.

http://www.youtube.com/watch?v=e8PJsjO1u5w

Pemuzik menjadi bebas daripada golongan bangsawan kerana pemuzik kini boleh beroperasi secara bebas atau melalui pelbagai organisasi pendidikan muzik. Salah satu cara sedemikian adalah melalui peningkatan minat dalam muzik dari kelas pertengahan, dan ini menyediakan jalan di mana komposer boleh memperoleh pendapatan tetap. Chopin misalnya hanya memberikan beberapa persembahan konsert. Pendapatan biasa beliau datang dari memberi pelajaran dan menjual manuskripnya.

Kemerdekaan ini menyebabkan orang lain mempunyai jadual lawatan dan konsert yang hebat. Komposer dan penghibur pada dasarnya menjadi bintang rock, dipuja oleh orang ramai. Dua daripada contoh utama ialah pemain biola Nicollo Pananini dan Franz Liszt. Paganini sebenarnya mengilhamkan senarai, dengan pencapaian teknikalnya dengan biola, untuk memadankannya dengan piano. Duel menjadi ciri biasa antara pemain piano. Liszt mempunyai persaingan tertentu dengan Sigismond Thalberg, rakan komposer dan virtuoso, di mana mereka pada dasarnya cuba mengurangkan populariti orang lain di media. Ini tidak benar-benar berkesan dan oleh itu, untuk menyelesaikan skor, pada 31 Mac 1837, Liszt dan Thalberg mengadakan pertarungan di salon Puteri Cristina Belgiojoso. Setiap pertama memainkan sekeping yang sudah ada dalam repertoir mereka. Kemudian masing-masing memainkan secebis kesukaran teknikal yang melampau yang telah mereka sediakan khusus untuk mesyuarat itu. Liszt ialah Reminscence de Robert le Diable. Walaupun ia dipanggil seri oleh mereka yang hadir, Thalberg, yang telah bersaing dengan Liszt selama bertahun-tahun, tidak pernah lagi mencabarnya.

Satu sisi yang bertentangan dengan spektrum ini ialah Wagner. Wagner ingin mencipta Gesamtkunstwerk (keseluruhan karya seni) di mana unsur-unsur seni puitis, visual, muzik dan dramatik bersatu. Orkestra berkembang dalam tempoh ini dengan pengenalan lebih banyak instrumen dan peranan yang lebih besar untuk yang sedia ada. Tetapi untuk Wagner kemajuan terlalu perlahan. Dia mahukannya lebih besar lagi. Beberapa instrumen yang dia tentukan untuk orkestranya seperti octobass, bass yang sangat besar sehingga memerlukan orang ramai memainkannya. Beliau juga merupakan salah seorang daripada segelintir komposer dari zaman ini yang mendapat naungan dalam bentuk Ludwig II dari Bavaria. Ini membolehkan beliau membina Bayreuth Festspielhaus (Teater Festival). Di sini orkestra itu tersembunyi di bawah tudung untuk mula-mula mengeluarkannya dari pandangan orkestra, drama itu adalah yang utama kepada Wagner, dan kedua untuk membetulkan keseimbangan antara penyanyi dan orkestra. Muzik menggunakan jumlah kromatik dan disonan yang lebih besar yang menambah kesan dramatik muzik. Walaupun Kitaran Cincin adalah karya besar era ini, ia adalah Prelude dari Tristan und Isolde, dengan Tristan Chord (00:12) yang terkenal yang menyerlahkan kerinduan emosi dan penentangan kromatik yang mencirikan karya Wagner.

Modernisme, Serialisme, dan Seterusnya (1900)

Menjelang permulaan komposer Abad ke-2 telah bosan dengan konvensyen dan penyeragaman yang telah berlaku semasa era amalan biasa dan mula meneroka lebih banyak kaedah penganjuran muzik di sana. Bagi sesetengah orang, ini hanya bermaksud memperluaskan konvensyen ini, seperti Sergei Rachmaninoff yang mengarang muzik dalam gaya Romantik hingga 1940-an.

Igor Stravinsky

Igor Stravinsky

Orang lain memilih untuk mentakrifkan semula, mengubah atau menolak konvensyen sebelumnya. Claude Debussy adalah salah seorang komposer ini. Asalnya terpesona oleh Wagner Muzik tonal yang sangat kromatik akhirnya membuat kesimpulan bahawa ia adalah matahari terbenam yang indah disalah anggap sebagai subuh. Dia, seperti orang lain telah menyedari bahawa pendekatan Wagner terhadap tonaliti adalah had z kepada tonaliti. Oleh itu, dia mencari cara lain untuk mengatur bahannya. Dari satu segi, dia melihat ke belakang, dan menggunakan mod untuk gubahannya seperti semasa zaman Pertengahan dan Renaissance. Ini memberinya kekaburan nada dan kebebasan untuk menggerakkan muziknya seperti yang dibuktikan oleh Mukadimah Petang Seorang Faun . Ia juga mendedahkan penggunaan harmoni tidak berfungsi Debussy, di mana, bukannya memacu karya itu ke hadapan, harmoni hanya mewarnai melodi. Dalam tempoh ini, alat loyang dan tiupan mula bersaing dengan alat bertali tradisional.

Satu lagi karya raksasa pada awal abad ke-2 ialah Igor Stravinsky Ritus Musim Bunga. Yang terkenal menyebabkan kemarahan orang ramai dan hampir rusuhan pada tayangan perdananya pada tahun 1913, dengan melodinya yang seakan-akan hiruk-pikuk bercampur baur dan sifat ganas irama yang kuat mendedahkan kawasan baru yang menarik pada zaman modenis. Daripada mempunyai nada sebagai elemen utama dalam muzik, ia menjadi tunduk kepada suasana yang dicipta oleh tekstur, irama dan nada.

Dan akhirnya Arnold Schoenberg dan muzik dua belas nada. Manakala Debussy dan Stravinsky mencari teknik dan bunyi baharu dan eksotik untuk mencipta muzik mereka Schoenberg menjadi tertumpu pada asas era amalan biasa, dua belas nada perangai yang sama. Kadang-kadang dipanggil muzik atonal, untuk mengelakkan ini daripada jatuh ke dalam huru-hara sepenuhnya Schoenberg memperoleh sistem yang memerlukan semua dua belas nada untuk digunakan berturut-turut dan kemudian penggantian itu diulang untuk baki bahagian. Sistem ini, walaupun didekati dari arah yang berbeza daripada sezamannya, juga memerlukan tumpuan yang lebih besar pada tekstur, instrumentasi, dinamik dan irama.

Walaupun mencipta kesan yang menarik, malah menghantui, ia tidak begitu mendapat sambutan. Namun begitu, teknik Schoenberg adalah penting dalam muzik Barat untuk beberapa dekad akan datang dengan komposer seperti Pierre Boulez dan Stockhausen mengembangkan teknik dua belas nadanya menjadi serialisme yang lengkap, di mana setiap elemen dari nada ke dinamik hingga irama semuanya tertakluk kepada sistem yang ketat. Sekali lagi, hasilnya tidak popular dan ramai, seperti minimalis, menolaknya mentah-mentah.

Kata Akhir

Saya berharap pengenalan kepada sejarah muzik klasik barat ini telah memberi anda gambaran tentang gaya yang berbeza pada tempoh yang berbeza. Lebih daripada segala-galanya saya harap ia membolehkan anda lebih menghargai pelbagai jenis muzik. Apakah era muzik klasik pilihan anda, atau apakah komposer kegemaran anda? Sila beritahu kami dalam ulasan.